Сюрреализм в живописи: 5 ключевых картин, о которых нужно знать

Сюрреализм в живописи появился в 1920-х годах во Франции, а затем стремительно распространился по всему миру. Наиболее известными художниками-последователями являются Сальвадор Дали, Рене Магритт, Жоан Миро, Макс Эрнст. Представляем пять наиболее интересных произведений сюрреалистов.

Краткая история жанра

Изначально движение зародилось в литературе, но почти сразу же перекочевало в художественную сферу. Вслед за популярным в то время психоанализом сюрреалисты пытались показать, что творческая энергия находится в бессознательном, проявляясь в состояниях сна, гипноза, болезненного бреда и в автоматических неконтролируемых действиях. В своих работах они совмещали привычные глазу повседневные образы с аллюзиями и парадоксами из сновидений.

Вдохновленные идеями левой идеологии, последователи течения призывали к освобождению от навязанной рациональности с помощью искусства и выступали за то, что наше восприятие крайне иллюзорно из-за искажений, вызываемых бессознательными процессами. Работы сюрреалистов стремятся передать посыл: зачастую мы видим совсем не то, что нам кажется.

Рене Магритт «Вероломство образов»

Рене Магритт «Вероломство образов»
«Это не трубка», 1928, Рене Магритт. Находится в музее Лос Анджелеса LACMA

Картина Рене Магритта «Вероломство образов», написанная во второй половине 1920-х годов, изображает курительную трубку, кажущуюся чересчур реальной — тонкие линии изгиба, блики и тени. Вероятно, произведение не вызвало бы бурного обсуждения в художественном мире, если бы не одна деталь: выведенная словно детским аккуратным почерком надпись «Ceci n’est pas une pipe», что в переводе с французского означает «Это не трубка».

«Трубка, под которой написано, что это не трубка?» — спросите вы, недоумённо нахмурившись. И вот что ответил бы Магритт, пожав плечами: «А вы можете набить эту трубку табаком? Нет, это просто представление, не так ли? Так что если бы я написал на картине «Это трубка», то я бы соврал.»

В этом весь сюрреализм: наше видение (в данном случае воплощенное на холсте) и реальный объект не тождественны. Как можно быть уверенным, что мы видим действительно то, что видим? Вспомните, как однажды ошиблись, приняв в темноте предмет за то, чем он не является — вдруг мы допускаем эту оплошность постоянно?

В 1966 году Магритт создаёт работу под названием «Две загадки», где вновь фигурирует курительная трубка. Художник предлагает развитие своих ранних идей: если мы не уверены, что наше восприятие соответствует действительности, то как мы можем подтвердить истинность этого суждения, не попадая в свою же ловушку?

«Две тайны», 1966, Рене Магритт. Находится в частной коллекции
«Две тайны», 1966, Рене Магритт. Находится в частной коллекции

Подобная концепция оказала влияние на дальнейшее развитие искусства и литературы. Например, известный философ Мишель Фуко написал эссе «Это не трубка», где подробно анализировал и дополнял идеи Магритта. Более того, формулировка «Это не…» была взята на вооружение маркетологами. Самой оригинальной является рекламная кампания страховой фирмы Allianz, где на плакатах с изображениями курительной трубки, молотка, и банановой кожуры, соответственно, находятся надписи «Это не трубка — Это загрязнитель бронхов», «Это не молоток — Это вечный расплющиватель пальцев», «Это не кожура банана — Это злостный вредитель спине».

рекламная кампания Альянса
Рекламная кампания Альянса по мотивам произведения Рене Магритта — «Это не банановая кожура»
Рекламная кампания Альянса
Рекламная кампания Альянса по мотивам произведения Рене Магритта — «Это не молоток»
Рекламная кампания Альянса
Рекламная кампания Альянса по мотивам произведения Рене Магритта — «Это не черепица»

Марсель Дюшан «L.H.O.O.Q.»

Сюрреалисты утверждали необходимость пересмотра традиционного искусства. Наиболее ярко это стремление выразил Марсель Дюшан в 1919 году, представив картину «L.H.O.O.Q.», на которой он подрисовал усы и бородку Джоконде. Такая техника — дополнение существующих и зачастую повседневных объектов незначительными деталями, превращающими их в объект искусства, — получила название «readymade» (англ. «готовая вещь») и использовалась Дюшаном в дальнейших работах.

Название интересно тем, что L.H.O.O.Q. при прочтении созвучно с французским «у неё там горячо», и вряд ли Дюшан использовал такую комбинацию букв случайно. Позже художник не раз возвращался к этому обозначению — L.H.O.O.Q. встречается в его произведениях в различных вариациях больше тридцати раз.

Дюшан, которому была близка тема половой идентичности, своим экспериментом с Моной Лизой также затронул гендерную проблему, добавив маскулинные черты олицетворению женственности. Как известно, некоторые работы он даже подписывал женским псевдонимом Rose Sélavy, что созвучно с фразой «Eros, c’est la vie» (фр. «Эрос, это жизнь»). Сохранились также несколько фотосессий Дюшана в женском образе.

Несмотря на кажущуюся кощунственность «бородатой» Моны Лизы, публика восприняла её с интересом. Эксперименты с Джокондой продолжались — появлялись пародии на пародию. Картина остаётся популярной и сегодня: в 2017 году она была куплена на аукционе за $743.000. В 2000 году во Франции была учреждена Премия Марселя Дюшана, которая сегодня считается одним из крупнейших конкурсов в области современного искусства.

Сальвадор Дали «Постоянство памяти»

«Постоянство памяти», 1934, Сальвадор Дали. Находится в Нью-Йоркском музее современного искусства
«Постоянство памяти», 1934, Сальвадор Дали. Находится в Нью-Йоркском музее современного искусства

«Постоянство памяти» Сальвадора Дали доказывает, что для создания шедевра не всегда нужны годы плодотворной работы — Дали понадобились всего два часа. Когда его жена Гала увидела картину, то произнесла: «Тот, кто увидел её один раз, не забудет уже никогда».

В шутку Дали называл свое произведение «камамбером времени», рассказывая, что он решил написать картину, когда увидел тающий на солнце сыр, который они с Галой не доели за обедом.

Работа состоит из символов: три плавящихся циферблата — отказ от линейности времени, делимого на прошлое, настоящее и будущее; спящее животное на первом плане — автопортрет в профиль; муравьи на оранжевых часах — символ распада и гниения; скалы вдалеке — отсылка к родной для художника Каталонии; излюбленное яйцо, которое Дали использовал на протяжении всей творческой карьеры, — жизнь. Везде соседствует реальность и сон: сухое дерево и тающие часы, море и огромное прямоугольное зеркало, муха и её человекоподобная тень. Художник стремился показать, что в человеческом восприятии переплетаются действительность и наши представления о ней.

Многие высказывали догадки, что в «Постоянстве времени» Дали опирался на теорию относительности Эйнштейна, показав взаимосвязь и изменчивость пространства и времени. Однако сам художник говорил, что был вдохновлён древнегреческим философом Гераклитом, утверждавшим, что «невозможно войти в одну и ту же реку дважды», потому что всё изменчиво: река сейчас и река через полчаса — это две разные реки, а не одно и то же, как может показаться нам.

Пабло Пикассо «Сон»

«Сон», 1932, Пабло Пикассо. Находится в частной коллекции Стивена Коэна
«Сон», 1932, Пабло Пикассо. Находится в частной коллекции Стивена Коэна

Как и многие художники Пикассо вдохновлялся любовными переживаниями, воплощая их в творчестве. На картине «Сон» он изобразил своё новое увлечение — Мари-Терез Вальтер, которую ласково называл валькирией.

Мари-Терез Вальтер было 17 лет, когда она встретила Пабло Пикассо, который был старше её на 28 лет и к тому же женат. Тем не менее, их отношения развивались очень стремительно и страстно, спровоцировав целую серию сюрреалистических портретов, нарисованных Пикассо в 1932 году.

В картине «Сон», нарисованной всего за один день, Пикассо использует любопытный приём, разделив изображенное в анфас лицо на две половинки так, что можно наблюдать и линию профиля. Подобное сочетание несовместимых ракурсов положило начало новому направлению в портретной живописи. Пикассо отказывается от реалистичного изображения спящей девушки, используя форму и цвета так, чтобы вызвать эмоции и передать общее ощущение покоя и умиротворения.

В 2006 году владелец решил продать картину и уже договорился с покупателем о сумме сделки в 139 миллионов долларов, но случайно проткнул полотно локтём. Далее произведение ждали ремонт, который обошёлся незадачливому владельцу в $90,000, установление экспертами новой цены и несколько судебных процессов по страховым вопросам. В 2013 году покупатель всё же получил «Сон» Пикассо, заплатив за него 155 миллионов долларов, что на тот момент сделало картину самым дорогим произведением искусства в истории.

Макс Эрнст «Слон Целебеса»

«Слон Целебеса», 1921, Макс Эрнст. Находится в Современной галерее Тейт
«Слон Целебеса», 1921, Макс Эрнст. Находится в Современной галерее Тейт

«Слон Целебеса» — первое масштабное произведение Макса Эрнста, ставшее одним из ключевых для сюрреализма. Созданная после Первой мировой войны работа стремится выразить весь ужас милитаризма. Сам художник писал: «1 августа 1914 года Макс Эрнст умер. Он воскрес 11 ноября 1918 года молодым человеком, который стремился обнаружить мифы своего времени». Вероятно, здесь он пытается разрушить веру в человеческую рациональность — как можно полагаться на разум, если он привёл к войне?

Целебес — остров в Индонезии (сейчас Сулавеси), который своими очертаниями напоминает слона. Эрнст также говорил, что название ему навеяла неприличная считалка немецких школьников, где есть фраза «слон с Целебеса, похожий на беса».

Эрнст рассказывал, что композиция картины пришла ему в голову, когда он увидел в антропологическом журнале фотографию большой корзины для зерна, используемой племенами в Южном Судане. Это объясняет и ритуальные столбы, изображённые на картине. Возможно, художник хотел сказать, что божества, перед которыми благоговели и которым поклонялись люди на заре человечества, никуда не ушли, а лишь переродились в другие, милитаристско-технические, формы.

Механический слон, вызывающий в памяти образы танка, противогаза, печи, кажется огромным по сравнению со светлой женской фигурой на первом плане, которая словно зовёт его за собой неестественно повёрнутой рукой. У женщины нет головы — означает ли это, что творение может погубить своего же творца?


Читайте материалы о других художниках, работавших в стиле магического реализма, на Losko. Например, об Эдварде Хоппере и его архитектуре одиночества или Рене Магритте и его картинах-загадках.

Следите за нами в социальных сетях, чтобы не пропускать новые материалы: ВконтактеFacebook, Telegram — @loskomagInstagram. Если вы цените свой и чужой труд, то всегда можете поддержать нас финансово на Patreon.

Автор публикации

Карина Казанцева